GHOST - IMPERA

 

I know. That’s quite a statement from a protestant pastor (that would be me) when talking about a band leader who delves into the occult and the perils of organized religion. More on that later.

But how else to explain that his last Ghost effort, Prequelle, dealt with plague and sickness BEFORE the Covid pandemic reared its ugly head?

And then there’s the new one. Impera is a consideration of empires that grow and rule and then crash and burn, only to be replaced by other empires. Forge put this one together BEFORE the current crisis as Russia tries to regain the former stature and power (and size) of the Soviet Union. His work on the album preceded questions about the role of the U.S. empire in the world.

Forsooth, the guy is a soothsayer.

Or not.

The man behind the makeup of Papa Emeritus IV denies any special gifts. Instead, he says, history is circular. What goes around will come back around in due time. It’s an Eastern approach to viewing the world, as opposed to the Western sense of life and history as linear, a straight line that takes us from point A to the destination of Z. Do not stop, slow down or smell the roses. Just get to the finish line.

Okay, that’s a bit high-fallutin’ for rock ‘n’ roll, but Tobias Forge is a different kind of ghoul. He’s a man with a plan, who is already looking ahead to the next three or four Ghost albums. But for our purposes, we’re going to concentrate on “Imperia.” And that’s easy to do; this album is mind-blowing—musically, lyrically, in musicianship and production. I played it 15 times over the first two days I had it. And who knows how many times since.

It’s that good. Er, great. No, supernatural.



I hope Forge will forgive if we do a linear rundown of Impera. From song to song to song.


§ “Imperium.” A quiet and slow overture to set the scene for what’s to come. The guitars, acoustic and electric, carry this one forward. One can hear echoes of “Imperium” throughout the proceedings, giving this album a certain prog feel. Tobias Forge can do anything.

§ “Kaisarium.” The call to arms, a Rush-reminding arena rocker (complete with rhythmatic change in the break) that spews indignation over injustice, judgementalism and extremism. Hypatia was a pagan philosopher/mathematician in ancient Alexandria who was murdered by Christians. It may have happened 1600 years ago, but Tobias is still pissed—and finds modern equivalents.

§ “Spillways.” I can’t decide who all this sounds like. The intro is sorta Bon Jovi-ish, with a pounding, rinky-tink piano a la “Runaway.” But the song also has echoes of 10CC and The Sweet. In any case, this one is pure Papa for now people—I suspect that metalheads are not going to like it. Too bad. It’s a great, great song, really up-tempo and catchy. The message, on the other hand, is not so “up” according to Messr. Forge: “This is an elegy for the darkness that most people have inside. When you have a dam, spillways are the run-offs so the dam won’t overflow. That darkness inside us needs to find its way out.” I’ll be dammed.

§ “Call Me Little Sunshine.” The first single from Impera (although “Hunter’s Moon” came out first, due to its movie connection). A mid-tempo piece that starts low and slow with a simple guitar part—and then rises up with power and grace. Victorian England (and the world) were forever changed by the Industrial Revolution. Lives were altered, for good and bad, as the devil tempted folks to go farther and farther into the technology at the expense of human contact and relationships. Like most Forge works, the lyrics have implications for past, present and future. And yes, you heard it here: Forge is warning us about Satan and his temptations.

§ “Hunter’s Moon.” Forge explores his fascination with horror flicks in this powerful rocker that accompanies the end credits for the movie Halloween Kills. Our lyricist says it’s about yearning for someone from the past—of course, most of Forge’s songs deal with a yearning of one type or another. On this one, Ghost kills.

§ “Watcher In the Sky.” A great meld of up-tempo metal and hard rock, with a huge beat that you can dance to. Forge says this is about how science can have some unintended effects on people and society.

§ “Dominion.” A short horn hymn (although the performance is likely on the keyboards). Slow, majestic, it’s not so much as a segue as it is an interlude, an aural palate cleanser before things go crazy with…

§ “Twenties.” Okay, hear my confession. The first time this assaulted my ears, I was puzzled and irritated. Forge himself says this is “Slayer meets Missy Elliott,” and that’s very accurate. It’s catchy, but “Twenties” sticks out because it doesn’t seem to fit into the rest of the album. And the lyrics? Forge’s wordsmith talents seem to go into parody:

“In the Twenties (Twenties) We'll be singing in a reign of pennies / In the Twenties (Twenties) We'll be soaring in disguise of Bevies / In the Twenties (Twеnties) We'll be smooching at thе feet of Da Rulah / In the Twenties (Twenties) We'll be grinding in a pile of moolah”

Forge is likely talking about more than the decade in which we live. The Roaring 1920s were a turbulent time of wealth and anything goes—but new empires of Nazism in Germany and Fascism in Italy started to make their presence felt. And the financial empires imploded into the Great Depression. Is that where we are headed?

I should add: this song is growing on me, the more I hear it. I still wonder if it wouldn’t have been better as a bonus track…

§ “Darkness At the Heart Of My Love.” A brooding piece, almost a love dirge. Forge goes back to one of his favorite promises: “I am with you always.” Who “I” and “you” are is up for speculation. God and people? Lovers? Whatever. The song makes the case that pure love is not just light and joy.

§ “Griftwood.” Papa Van Halen, with a tapping guitar intro and blazing solo in the break. Forge’s voice takes this away from the VH sound and into power Papa land. Tobias says this song is about former U.S. Vice President Mike Pence—a Bible thumper who preaches one message but acts in an entirely different way. Such men promise the world: you’ll “never ever suffer again.” Jesus didn’t even promise that!

And speaking of biblical references, where in hell does Forge dig his up? In this one song, he mentions Asiah and Sennacherib. Most Christians don’t know who they are. Does he have a secret religious counsel who feeds him these names and words? Does he know Latin? Inquiring minds want to know…

§ “Bite Of Passage.” A brief instrumental interlude that takes the mood down, preparing us for the terror of a serial killer.

§ “Respite On the Spital Fields.” Tobias the Ripper goes back to the fear inflicted by one brutal killer in Victorian England. It’s a tune and performance of mystery that builds and recedes in turn. The fading end harkens back to the opening track Imperium. If you have your player on repeat, one hears the decline of one empire and the start of a new one. And so it goes…

Impera is the sum of many parts; Papa is not working alone. Just which Nameless Ghouls are on the record and what they’re playing is not clear—but that’s why they’re nameless, of course. Opeth’s Fredrik Akesson helps out his fellow Swedes with searing guitar leads that add a huge amount to the sound. And then there’s the songwriting assistance. Folks who have worked with Madonna, Lady Gaga and Katy Perry have offered their ten cents worth to “up” the catchy quota. And Klas Ahlund, who helmed Ghost’s classic Meliora, is back to twiddle the dials.

Impera is the best Ghost album—up to now. It further synthesizes Tobias Forge’s vision of catchy, powerful music combined with thoughtful lyrics wrapped in an entertaining shtick. It is a realization but also a promise. That’s a reason to celebrate this album, this band, and the work of this man. Forge is one of the most exciting men in rock, onstage and in the studio.

All of that begs the question: why in God’s name would a middle-aged United Methodist pastor from the Bible Belt like Ghost?

Why not?

Let’s set aside the hooks, the arrangements, the guitar army and swooping vocals and everything that takes the music outside the bounds of typical metal.

Does Tobias Forge go after Christians with a square hammer? Absolutely. But what might surprise him and you is that there are plenty of us at Sunday worship who agree. Organized religion has done terrible damage over the centuries. It is filled with liars, snakes and hypocrites (and we all fall into those traps at various points). We’re an easy target, and rightfully so, because we’ve set ourselves up to be holier than thou. Many—maybe most—at the local level do our best to follow Jesus’ example and words and still fall short. It hurts to be reminded of that. But we need to be jabbed, and it’s a little easier when there’s a big beat and melody accompanying it.

Yet O ye of little or no faith shouldn’t get too fat and sassy. Papa also melts down the secular golden calves of science, technology, business, government, and the various leaders in those fields as well. And then there’s the things we all have in common—selfishness and greed, anger, hate, bias, and all those human attitudes and behaviors that make us less than what we could and should be.

Moreover, the Ghost gospel is one that requires thought and analysis. Forge is a man of depth and substance, and his messages reflect that. There are a lot of possible interpretations in the lyrics, and that is both appealing and challenging (note: Jesus’ parables also require the audience to reach their own conclusions…which may already have occurred to Papa in all his incarnations).

In Forge’s circular view and philosophy, the next rotation might bring something better than the last—the possibilities are endless and likely good. The circle itself is complete and whole, ever connected, unbreakable. The spheres of the sun and stars bring light, which is reflected by moons and other heavenly orbs. The dark comes from the void at the finish of all things. The circle offers hope; the straight line comes to a dead end.

So while Tobias Forge sees past, present and future in the circle of life, he’s not giving in to the depression and plague and corruption and spiritual hubris that are part of every era (and documented in his music). He’s looking for signs of something better just around the corner. That, folks, is hope and faith. So with Impera, Ghost is not just taking down empires. It is building something new and positive. Thank God.

And that’s why this follower of Jesus is into Ghost. Amen.

Marcus D’Angelo, do Claustrofobia, faz faixa-a-faixa do novo álbum da banda, ‘Unleeched’

No último dia 11, a banda brasileira Claustrofobia lançou o álbum Unleeched, primeiro trabalho completamente em inglês da carreira, lançado pela Metal Assault Records e com distribuição no Brasil pelo selo Wikimetal Music.

Gravado durante a pandemia, em Los Angeles, nos Estados Unidos, o disco teve a produção assinada por Adair Daufembach, que já trabalhou com bandas como Hangar e Project46, em conjunto com a própria banda.

Com exclusividade aqui no Wikimetal, o vocalista e guitarrista Marcus D’Angelo fez uma faixa-a-faixa da novidade, explicando o conceito por trás de cada uma das nove canções, além de contar algumas curiosidades sobre o trabalho. Leia o faixa-a-faixa na íntegra logo abaixo!
01) Stronger Than Faith

Marcus D’Angelo: Sem dúvida a música mais poderosa do álbum. Os riffs são muito influenciados pelo thrash/death metal tradicional, mas com aquele jeito brasileiro de se tocar, principalmente quando a bateria ataca a música em conexão com o baixo. Foi a primeira vez que usamos guitarras de sete cordas, e o fato curioso é que a sequência dos riffs foram compostos com a guitarra de seis cordas na nossa afinação padrão e depois transportamos para sete cordas soando mais brutal e contemporâneo.

Tínhamos uma sequência pronta, mas ainda faltava algo, foi então que o Yamada [Rafael Yamada, baixista do grupo] trouxe o riff do refrão que caiu como uma luva na composição. Um dos riffs mais poderosos do álbum sem dúvidas. O refrão marcante e letra forte também são ponto alto. Não adianta apenas ter fé, tem que lutar sem reclamar, ter devoção ao sacrifico, ser voluntario na batalha para conquistar, domar os próprios demônios que nos perseguem como se fosse o culto mais sinistro do século, enfim encarar tudo isso de frente por mais cruel que seja. Foi uma escolha unânime dentro da banda para abrir o disco.
02) The Encrypted

Marcus D’Angelo: Essa música soa como uma máquina, palhetadas simples e cheia de segredos, muita interação entre os três instrumentos, me arrisco a dizer que talvez seja a música mais pesada do disco. Letra interessantíssima, algo sobre o choque de ambiguidade, prosperidade por meio da decadência, aquele quebra cabeça que é a personalidade de cada indivíduo; jamais ninguém vai entender o que se passa dentro da sua mente e você nunca escapará de si mesmo. O coro de vozes do refrão com a melodia tribal em cima de um groove 100% brasileiro convoca a movimentação.
03) Neuro Massacre

Marcus D’Angelo: Esse foi o primeiro single lançado, uma composição clássica do Claustrofobia. O riffs são rápidos, quebrados e perturbados conduzindo a trilha para uma letra que expõe um pensamento autodestrutivo, impaciente e colérico, que na verdade representa um mecanismo de defesa. Curiosidade: esse riff saiu de uma jam que fizemos no dia que o Brasil perdeu de 7×1 pra Alemanha (risos). Sem mais.
04) Psychosapiens

Marcus D’Angelo: Essa é a minha favorita do álbum, um hip hop com death metal monstruoso. Minha melhor performance vocal, letra destruindo na responsa a espécie humana e o refrão possuído de fúria com os backing vocals do Yamada interagindo com meu vocal. A bateria de “malako” do Caio [D’Angelo, baterista] junto com o baixo dita o groove perfeito. Drenagem de cérebros psicóticos estuprando a terra com as mãos sujas de sangue. A confiança joga sujo as escondidas…
05) Corrupted Self

Marcus D’Angelo: Segundo single lançado, um death/doom/industrial extremo com influência de Hellhammer que contém a participação do Marc Rizzo que fez um solo épico. Ele se ofereceu para participar e criamos aquela base hardcore/death metal especialmente para ele representar com suas habilidades. O riff perturbador e as linhas de bateria são um massacre. As nuances do baixo dessa música são incríveis e fazem toda a diferença na atmosfera. Letra sobre ser nascido e criado no Brasil, o berço da corrupção, onde ser corrupto se tornou um ato de sobrevivência e também expressamos todo nosso desprezo aos pseudo revolucionários hipócritas que com seus discursos supérfluo se vangloriam em atacar os coitados doentes, mas não tem coragem de atacar a doença.
06) Unleeched

Marcus D’Angelo: Música que leva o nome do disco. Todos os riffs foram criados pelo Caio e eu apenas aperfeiçoei na minha pegada. Ficamos pirando no ensaio fazendo todas as variações possíveis até chegar num consenso. Uma música 100% Claustrofobia com aquelas mudanças drásticas de tempo, que poderia facilmente integrar álbuns como Thrasher ou Peste. Tem samba, tem sample do mestre Alborgheti etc. Estamos “dessanguessugados”, estamos unidos e juntos começamos uma revolução em nossos pensamentos removendo tudo que possa vir nos acorrentar. Existem tratamentos que usam os sanguessugas para cura, e as vezes temos que ser sugados para entender o valor da liberdade e das nossas convicções. Expostos a essa raça pestilenta desenvolvemos anticorpos para o progresso. Essa vai destruir no mosh pit.
07) Snake Head

Marcus D’Angelo: Esses riffs nasceram no mesmo dia da “Neuro Massacre” quando o Brasil perdeu de 7×1 pra Alemanha (risos). A letra quem fez foi um talentoso e grande amigo nosso, chamado Ivan Goetschi, ele nos dá assistência em todas as letras, mas quando ele ouviu essa música em primeira mão ele me respondeu com essa letra magistral. Ele sentiu o clima da serpente. Essa era única faixa que não estava pronta quando entramos em estúdio, finalizamos durante as gravações e se tornou a faixa mais misteriosas do álbum.
08) Crawling Back to Yourself

Marcus D’Angelo: Música poderosíssima que optamos por deixar mais para o final para não perder a potência do disco. Levada contagiante e letra pesada, a ideia da letra veio do Yamada e eu adaptei para encaixar as vozes. Tem bastante nuances de vocais que são elementos que temos agregado aos poucos nos últimos anos. Começa o momento de redenção no álbum, quando se entende que você precisa ser 100% você mesmo, mas a partir dessa escolha definitiva você percebe que esse caminho de volta, de desapego será muito difícil, por este motivo, vai até o inferno e retorna a si mesmo, rastejando e buscando se restabelecer.
09) 2020 (March to Glory)

Marcus D’angelo: Sem dúvidas foi a música mais diferente que já compusemos, tenho muitos riffs e melodias diferentes que toco aleatoriamente no violão que nunca pensamos que encaixaria no Claustro, porém no último minuto o Caio nos encorajou a fazermos essa que se tornou a “2020 (March to Glory)”. Pela primeira vez eu gravei vozes limpas como principal elemento. Foi um desafio que tive que encarar com a ajuda dos meus irmãos de banda.

O ano de 2020 nos provocou muitas reflexões e foi muito pertinente falar sobre isso, mas optamos por abordar de um ponto de vista mais orgânico e de questionamentos interior, sem acusações ou julgamentos. Eu fiz essa letra em parceria com meu grande amigo Ivan Goetschi (mencionado acima).

A música é bem emocionante e o coro de vozes limpas do refrão transmite muito bem o resumo de tudo isso. Que seria algo como: “Somos todos guerreiros anônimos e ordinários, vagando e sonhando alto pela terra desde o ventre até o túmulo, mas que certamente de alguma forma, estamos unidos em busca da glória, da luz, cada um em seu grau de consciência” Tenho muito orgulho dessa música.

Vale ressaltar a importância do produtor Adair Daufembach na caracterização e a grandeza do som do álbum. Um mestre. O álbum termina de uma forma muito emotiva e bonita. Foi feito para ser apreciado do começo ao fim, como nos velhos tempos, e isso nos dá aquela sensação de primeiro disco.

Unleeched representa a cura, o progresso e a libertação.

Alissa White-Gluz revela que seu primeiro álbum solo está pronto e é “incrível”

 

vocalista do Arch Enemy falou sobre seus planos de lançamento do disco

A vocalista Alissa White-Gluz, do Arch Enemy, disse em participação no podcast Vox&Hops que seu primeiro álbum solo está pronto e pode ser lançado a qualquer momento.

Durante a conversa, a cantora esclareceu que apesar de ter assinado com a Napalm Records em 2016, o disco não começou a ser feito até vários anos depois. Agora, entretanto, o tão aguardado projeto está finalizado e a artista se mostra muito orgulhosa dele (via Blabbermouth).

“Agora ele está pronto porque eu genuinamente fiquei em casa tempo o suficiente para escrever as canções e terminá-las. [O álbum] é incrível e eu amo ele”, comentou. Sobre uma possível data de lançamento, Alissa disse: “Não a nada impedindo o lançamento, mas eu preciso ser cuidadosa porque agora existem muitos lançamentos acontecendo e eu quero ter certeza que a minha música receba a atenção que merece.”

“Não vai sair junto com um álbum do Arch Enemy, com certeza, porque essa não é uma boa ideia, mas eu vou encontrar uma data para lançá-lo de um jeito que faça sentido”, concluiu.

Hammerfall(Entrevista)

O HAMMERFALL teve muita sorte de ser uma banda durante a pandemia. Afinal, eles conseguiram terminar sua turnê européia de "Dominion" , lançar um documento oficial ao vivo e agora o próximo álbum "Hammer Of Dawn" está nos blocos de partida conforme planejado. Infelizmente, as coisas parecem sombrias para a próxima turnê com o HELLOWEEN, mas mesmo assim o líder da banda de cinquenta anos Oscar Dronjak, que foi recém-formado no momento da entrevista, estava de bom humor em nossa entrevista sobre o futuro. Ah sim, é claro que ele também nos contou tudo relevante para o novo álbum!

Atrasado tudo de bom! Como é ter 50 anos?

Obrigado! Não parece muito diferente, para ser honesto. Na verdade não há diferença. Meio século é muito tempo, mas não afeta minha vida cotidiana, é apenas mais um número. Estou feliz por ser mais velho e, espero, mais sábio. Na verdade, nunca me senti tão velho quanto sou. Eu me sentia mais como 20 quando eu tinha 30, mais como 35 quando eu tinha 40, e assim por diante. Estou sempre um pouco atrasado, talvez seja o mesmo desta vez.

Quando nos falamos pela última vez em setembro de 2020, você disse que seu plano é fazer uma turnê em 2021 e lançar um novo álbum em 2022. Não houve turnês, então toda a situação influenciou o processo de composição do novo álbum?

Um pouco, para melhor ou para pior. O bom foi que tivemos tempo, sem estresse com prazos. O ruim era que sem shows não tínhamos aquele certo impulso de energia, nada pelo que esperar. Então é difícil encontrar energia para escrever as músicas. Por sorte, muitas das músicas já estavam prontas e só tivemos que terminar algumas. Mas isso levou muito mais tempo do que o normal. No final de 2020, as coisas pareciam sombrias, sem fim à vista para a situação.

Então, ainda terminamos as músicas mais cedo e, na verdade, não deveríamos ter gravado até o verão de 2021, mas começamos a tocar bateria em março de 2021 porque eu queria começar o mais cedo possível. Em abril e maio fizemos as guitarras e o baixo. Os vocais vieram no final de agosto e início de setembro. Tivemos muito tempo para importar tudo com cuidado.

Então foi uma abordagem diferente com a falta de turnês?

Sim, você pode encontrar o bem e o mal em tudo. Eu sempre tento encontrar o máximo de coisas positivas possível, mesmo nos eventos mais negativos.

Você disse que gravou o álbum aos poucos. Vocês sempre estiveram presentes ou houve restrições?

Isso foi realmente estranho. É verdade que não estamos todos presentes quando estamos gravando um álbum hoje em dia, então não fazemos mais isso. Mas sempre há certos momentos em que todos os cinco estão lá. Este álbum foi o primeiro onde não foi. Havia quatro de nós no máximo, muitas vezes três e às vezes apenas dois. Foi uma sessão de gravação estranha. Por causa do Covid-19 não pudemos ter tantas pessoas presentes. No entanto, isso não afetou negativamente as gravações.

Isso mesmo, a influência da pandemia não é sentida. Vamos nos voltar para coisas mais agradáveis. "Hammer Of Dawn" é outra música com "Hammer" no nome. Por que você escolheu essa música como faixa-título?

Foi a música que soou melhor para ele. Às vezes sabemos desde cedo qual música será o título do álbum e Joacim e eu geralmente concordamos com isso. Nunca houve qualquer discussão, exceto uma vez. Eu definitivamente queria chamar nosso quinto álbum de “Unbent, Unbowed, Unbroken” e Joacim disse que é muito estranho, as pessoas não vão lembrar o nome. Ele queria chamá-lo de "Capítulo V". Nosso compromisso foi então "Capítulo V: Inflexível, Inflexível, Ininterrupto" . Agora as pessoas chamam de "Capítulo V" e esquecem o resto.

Eu escrevi uma música dessa vez que chamei de "Hammer Of Dawn" e acho que Joacim então sugeriu que deveria ser o título do álbum. Quando temos vários títulos de músicas, na maioria das vezes escolhemos o que mais gostamos.

A capa foi novamente desenhada por Sam Didier. Ele também fez arte para a Blizzard Entertainment e acho que desta vez Hector se parece um pouco com Tyrael da série "Diablo" . Qual foi a sua ideia para a capa?

Ele nos enviou nove esboços, que basicamente mostravam onde queríamos Hector e o Martelo. Reduzimos isso um pouco ou dois. Como já sabíamos como seria o nome do álbum, imaginei o Hector voando naquela pose com o céu e as cores da manhã ao fundo.

Acho que é o melhor trabalho de Sam até hoje. Todas as outras capas são legais à sua maneira também, mas essa foto é muito bonita. Eu gosto de como Hector foi um pouco mais magro nesta capa, ao contrário de "Dominion", por exemplo. Lá ele parecia mais um personagem de videogame para mim, grande e poderoso com a armadura e tudo. Claro, lá estava ele o demoníaco Hector, então ele tinha que ficar assim, mas eu gosto mais dele na nova capa.

TODAY IN METAL HISTORY 🤘 MARCH 12TH, 2022 🤘IRON MAIDEN

 

TALENT WE LOST



R.I.P. Clive Burr (IRON MAIDEN, TRUST, DESPERADO): March 8th, 1957 – March 12th, 2013

HELLSPIKE - DYNASTIES OF DECAY

Sophomore effort from thrashing Portuguese old school speed metal trio. Truthfully, the promo literature characterization is a bit limiting, as the eight tracks have an undeniably strong sense of melody and are more in line with ‘80s proponents of Teutonic metal, who were rough around the edges, say (pre-pirate) Running Wild and/or Grave Digger (the first two albums). While Rick Metal's (bass/vocals) are gruff, they're discernible, and the music is more finely honed than either of those German legends were, early on. Good stuff.

Thumping drums are evident throughout the opening titular track. The dynamics fluctuate from all out speed, to well-paced, leaving space for a short guitar spotlight. "They Live" picks up the pace (pretty uniform for its duration), but with some groove. At 7:03, it lacks the urgency of its neighbors. By contrast, "Gone To Waste" is a more stereotypical, heads down, speed metal number, hammering from start-to-finish. The muscular musicality returns, on riffing "Hegemony Defied". An ode to the evils of the idiot box (probably now supplanted by the computer/phone, despite the so-called "smart" technology), "Divide To Rule" opens with the lyrics, "Turn on the TV, while turning off your mind." Guitars, while not slowing down, adopt a different tone for 4:42 instrumental "On Through The Times".

Snare smashing and swirling guitars are the rule for online lyric video track "Ruthless Invasion", the least imaginative of the eight inclusions. The parting shot, "Lost Reality" again possesses a strong sense of melody, much like the album began.

Solid effort.

COREY TAYLOR – CMFB…SIDES

 

Grammy Award-winning singer / songwriter, frontman for Slipknot and Stone Sour, as well as New York Times Best-Selling Author, Corey Taylor, has just strengthened his solo career with the release of this remarkable nine-song collection, known as CMFB…Sides. Joining Taylor on a wondrous set of cover tunes, acoustic renditions, and live versions are guitarist Christian Martucci (Stone Sour, Black Star Riders), guitarist Zach Throne (Bruce Kulick, Sin City Sinners), bassist Jason Christopher (Prong, Stone Sour), and drummer Dustin Robert.


Kicking it off is a revved-up take on “Holier Than Thou”, which originally appeared on The Metallica Blacklist in 2021, and is made extra cool with the inclusion of a little “Whiplash” at the end. A melodic variant on Dead Boys’ punk gem from 1977, “All This And More”, quickly lets the listener know that CMFB…Sides follows its own unique road map, full of twists and turns. Taylor then picks up the acoustic guitar for a stripped-down adaptation of “Kansas” from his solo debut, CMFT. Eddie Money’s 1982 hit “Shakin’” gets a modern-day makeover, thereby introducing it to a whole new generation. Next, we have an absolutely gorgeous live piano medley of “Home” / “Zzyxz Rd”, taken from the brilliant Forum Or Against ‘Em livestream in 2020.

Back to the early ‘80s with a bare-bones transformation of “Lunatic Fringe” by Canadian rock band Red Rider. As if the cover art didn’t give it away, you knew there’d be a KISS cover on CMFB…Sides. With a plethora of great music to pull from, Taylor decided upon “Got To Choose” - the opening track to 1974’s Hotter Than Hell. And Corey’s achieved the perfect balance of staying faithful to the original, while injecting his own flair; I’m sure Paul Stanley would approve! One more kick at the CMFT can follows courtesy of an unplugged “Halfway Down”. And it comes to a close with a damn near perfect remake of “On The Dark Side” by John Cafferty & The Beaver Brown Band, which surprisingly turns into a brief mash-up with “R.O.C.K. In The U.S.A.” by John Mellencamp, and “Cherry, Cherry” by Neil Diamond.

CMFB…Sides works uncommonly well in just about any situation – it rocks hard, it has tender moments, it’s fresh yet simultaneously nostalgic, and full of passion! Whether sitting around a campfire, driving down the highway, or simply doing daily chores, Corey Taylor and his solo band unequivocally elevate your mood. And that is appreciated more than they will ever know!