domingo, 30 de junho de 2024

EMPEROR - PRO-SHOT VIDEO OF ENTIRE HELLFEST 2024 SHOW STREAMING







On June 28th, Emperor performed at Hellfest 2024 in Clisson, France. Pro-shot livestream video of the entire show, courtesy of ARTE Concert, can be viewed below.

Setlist:

"Into the Infinity of Thoughts"
"In the Wordless Chamber"
"Thus Spake the Nightspirit"
"The Loss and Curse of Reverence"
"With Strength I Burn"
"The Burning Shadows of Silence"
"I Am the Black Wizards"
"Inno A Satana"
"Ye Entrancemperium"




Earlier this year, Emperor legend Ihsahn released his new eponymous full-length studio offering via Candlelight Records. Daring to push the realms of creative expressionism even further with his eighth studio offering, Ihsahn's latest release comprises two melodically interlinked versions of the same album: one prog metal, one fully symphonic, both creating a cinematically influenced masterpiece.

Whilst his musical journey has been frequently revelatory, the masterful control of rhythm and movement displayed throughout 'Ihsahn' shows his work as a songwriter and composer at its most focused and self-assured. A gargantuan endeavour and one that Ihsahn professes to be one of the most complex projects he has ever undertaken, is a labyrinthine rabbit-hole of his own design, the scale of ambition immediately apparent. Wholly self-produced and scored over the course of three years, the metal version has been mixed by Jens Bogren, the orchestral version mixed by Joel Dollié and both versions were mastered by Tony Lindgren. Ihsahn freely admits that the process pushed him to his limits. It began, simply, with a piano.

Comments Ihsahn, “On average, I've been releasing a full-length album every second year since I was 16. And, you know, that has given me some opportunity to explore different options, so for my eighth full-length solo record, I thought, ‘okay, how can I do what I do best, but also raise the bar tenfold? At the heart of what I do is black metal, extreme distorted guitars and screaming, but since the earliest Emperor recordings you’ll hear the keyboard parts influenced by classic soundtracks by the likes of Jerry Goldsmith, John Williams, Bernard Herrmann, John Carpenter and so on. So, I approached the writing with the intent to present the material in its full-blown metal expression, but also to arrange the orchestral parts in such a way that they would work independently. Somehow an attempt to write a soundtrack within the structures of the full production, allowing me to explore different, and sometimes contrasting, variations of essentially the same music. In the end I wrote all the music as a piano short-score and arranged it for a typical band ensemble and orchestra, accordingly, making sure everything interlocked.”

It’s that compositional core that allowed Ihsahn to build the two records from the ground up – a Herculean feat for the self-professed, self-taught musician, but it is perhaps that very absence of formal training that allowed him to throw out the rulebook and simply follow his instincts, and the time afforded by the pandemic created the natural gap required to so heavily invest himself in the project. As Ihsahn explains, that self-induced pressure came from a desire to keep his loyal fanbase and himself interested, which is not only the defining feature of his latest record, but it’s also the central characteristic of his entire solo career.

Order the new album here.



Tracklisting:

"Cervus Venator"
"The Promethean Spark"
"Pilgrimage To Oblivion"
"Twice Born"
"A Taste Of The Ambrosia"
"Anima Extraneae"
"Blood Trails To Love"
"Hubris And Blue Devils"
"The Distance Between Us"
"At The Heart Of All Things Broken"
"Sonata Profana"

"The Distance Between Us" video:

sexta-feira, 28 de junho de 2024

WOLFHEART SHARE OFFICIAL GUITAR AND DRUM PLAYTHROUGH VIDEOS FOR NEW "GRAVE" SINGLE





WOLFHEART SHARE OFFICIAL GUITAR AND DRUM PLAYTHROUGH VIDEOS FOR NEW "GRAVE" SINGLE





Finnish masters of melancholic brutality, Wolfheart, are gearing up for the release of their forthcoming seventh studio album, Draconian Darkness, which is due out on September 6 via Reigning Phoenix Music (RPM). They recently released the official music video for the first digital single, "Grave", which can be viewed below.








Mastermind Tuomas Saukkonen comments, "'Grave' was the first song that was written for the album and became the beacon that was leading the whole production of the album. Push the dark elements even further from the light to give maximum contrast to the melodies and huge choruses. From every album we have clear favourites for live songs and 'Grave' stands on the podium unchallenged!"

Pre-order Draconian Darkness in the physical format of your choice (CD-digipak, coloured vinyl), pre-save it on your favourite DSP or pre-order it digitally now, here.

The opus was recorded at Deep Noise Studios and produced, mixed and mastered by the band's long-time collaborator Saku Moilanen; its artwork was crafted by Nikos Stavridakis (VisionBlack).



Draconian Darkness tracklisting:

"Ancient Cold"
"Evenfall"
"Burning Sky"
"Death Leads The Way"
"Scion Of The Flame"
"Grave"
"Throne Of Bones"
"Trail By Fire"
"The Gale"

"Grave" video:



(Photo - Valtteri Hirvonen)

ALBUM REVIEW: Schizophrenia – Cavalera






The name Cavelera is royalty in extreme music circles. The brothers of Max and Iggor have been synonymous with extreme music from their frenetic early years as SEPULTURA, which put Brazil on the map for metal, and through their many subsequent projects over the decades. After rolling back the clocks to give 1985’s Bestial Devastation and 1986’s Morbid Visions a facelift with re-recordings and new artwork to boot under their CAVALERA moniker, now, with momentum on their side, the same job has been applied to SEPULTURA‘s second full-length album: 1987’s Schizophrenia.



1987’s original release marked a turning point for the development of thrash metal as Schizophrenia saw SEPULTURA fuse the frenetic energy of their European thrash counterparts with a death metal bite that would be replicated by bands in their droves in the decades ahead. And despite the vast development of death/thrash, championed by numerous bands from all four corners of the globe, Schizophrenia remains a timeless classic and that is clear as day on this re-recorded effort.


The likes of Escape To The Void wails and divebombs whilst Iggor beats his drumkit to within an inch of its life, the instrumental driven epic Inquisition Symphony benefits massively from the re-recording with extra emphasis added to the bass to make the track hit even harder, and From The Past Comes The Storms has a swagger and snarl that just begs for your head to bang. And it’s not just a simple case of remastering 1987’s classic, the 2024 re-recording features album closer Nightmares Of Delirium, a previously unheard track and the way in which it embeds itself into the record is remarkable, closing Schizophrenia with a thunderous bang.


Re-recordings of beloved classics can be a risky affair as the end product can not only tarnish the chosen record’s legacy but shake the hornet’s nest of a band’s loyal fanbase. Just like last year’s re-recordings, the production job applied to Schizophrenia is incredibly well done, helping the record enhance its thumping metal ferocity, especially with Max‘s vocals that sound immense from start to finish. The likes of To The Wall, with its hefty chugs, or the manically charged Septic Schizo sound absolutely phenomenal here and it showcases that the Cavalera brothers know exactly how to keep legacy fans happy whilst engaging the next generation of extreme metal fans.

At this point, there are not enough superlatives in the universe to describe just how influential the Cavalera brothers have been for extreme music. And with the re-recorded Schizophrenia, not only do the brothers pay homage to a record that helped put SEPULTURA on the map, but they have breathed new life into the record and it still sounds as viciously wicked as it first did 37 years ago.

Rating: 9/10



Schizophrenia is out now via Nuclear Blast Records.

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INTRODUCING: Floya





FLOYA are the perfect band to open us all up to the spring and summer sounds. Lush and nostalgic synths, with bouncing rhythms and gorgeous vocals, they’re fast turning heads with their debut album Yume. An album stacked with athematic songs; we caught up with vocalist Phil Bayer about the record, playing live and continuing to explore their sound.



“What’s most important to us when we’re writing a song is, how does it make us feel? We’re trying to not look for anything intentionally, a lot of what we do just happens or it doesn’t, whatever feels right in that particular moment,” Phil explains about the songwriting process. “Speaking from a lyrical perspective, Wonders was the first track that changed my outlook on myself writing songs a lot. It was that massive shift in my mind that happened; I wanted to write about positivity and love while also trying to weave a certain consciousness of passing time in there. What I mean by that is; everyday life makes it hard to recognise that our days are ultimately numbered, so a lot of what we write about is conscious living, taking action now.”

Yume has found an instant audience, with the album feeling coherent and fluid, while each song stands proud in its own right. “We’re trying to control the outcome of what we write as much as possible, but we’re trying not to limit ourselves during these processes, so it’s always a bit of ‘expect the unexpected’,” Phil clarifies about the process of honing the album. “That notion is what keeps things interesting for us. Sometimes you want a song to go into a certain direction only to then see that your monkey brain thought of something entirely different,” he laughs. “Sometimes the results of that can be astounding.”


Avid listeners will note that while this is FLOYA’s debut album, the duo have been working towards the record for a while, dropping singles for several months. While it’s been a long time in the making, it’s allowed the vision of the band to really solidify. “It’s a lot like getting older, with every passing day, you can kind of condense what it is you want a little more. So, I’d say the vision of this project is still very much on par with how it felt to us right at the beginning, we just fleshed it out more as time passes.”

The live shows are another huge draw to FLOYA, with energetic performances that really enhance their music. “We love playing live so much, it’s priceless to feel people’s emotions and our own in these moments. It’s also always interesting to find out how much we change a given song in a live environment, that’s always an adventure,” Phil happily agrees. “We’re very happy about how the album turned out, it’s been a long and, at times, painful process, there’s so much of our personalities in there. We can’t wait to take this to the stage!”

As a band with a lively, bright sound, the synth element is a vital part of bringing in the vibe. However, what makes FLOYA stand apart from a purely synthwave or progressive band is that they can blend and break expectations. “Sometimes it might be nostalgic when we’re talking about analogue synth emulations, but sometimes our synths tend to be fully intentionally digital too,” he laughs. “I think what adds to that nostalgic feeling sometimes is Marv’s playing as its deeply rooted in the 80s and 90s with a modern twist to it.” The pull of old school sounds coupled with a contemporary approach and application has rooted FLOYA as a fresh sound in the music scene. Experimenting with sounds without being constricted means that FLOYA can play around with genre’s without feeling stuck. “What keeps us motivated long term is finding out how far we can take this mixture of rock and electronic music, you know? But I wouldn’t go and limit the possibilities of what FLOYA can sound like, as we want to artistically express ourselves as freely as possible.”

FLOYA’s approach music in the same way they seem to approach life. There’s a huge amount of positivity spun into Yume in the bittersweet moments. By actively choosing optimistic sound to channel life’s issues and conflicts makes for a encouraging soundtrack to life. “Absolutely! We focus a lot on the positive sides of life as it is very easy to find reasons to focus on the things that don’t work in our lives, you know? Focusing on what does work makes every day so much more enjoyable to us as people.”

Yume is out now via Arising Empire.

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terça-feira, 25 de junho de 2024

LAMB OF GOD'S MARK MORTON RELEASES GRITTY MEMOIR "DESOLATION: A HEAVY METAL MEMOIR"







For a band as extreme as Lamb Of God, mainstream success and touring the world to massive audiences was an almost surreal achievement. But for guitarist and lyricist Mark Morton, the triumph was dulled by the pain of addiction and loss.

In Desolation: A Heavy Metal Memoir (Hachette Books), Morton traces the highs and the lows of his career and personal life, revealing how the pressures of success and personal battles eventually came into conflict with his dedication to the creative process. Morton writes about the greatest personal tragedy of his life: the death of his newborn daughter, which plunged Morton further into hopelessness. Surrounded by bandmates living their wildest dreams, Morton wanted nothing more than to disappear, ingesting potentially lethal cocktails of drugs and alcohol on a daily basis.

And yet intertwined with self-destruction and harrowing heartbreak, there were moments of joy, self-acceptance, and incredible connection. Morton developed close relationships with his bandmates and crew members, sharing experiences that have made for some strange and hilarious tales. He also gained a greater sense of purpose through interactions with his fans, who remind him that his work reaches people on a deeply personal level.





“Initially, I started writing this book just to see if I could do it,” said Morton. “But as the writing process unfolded, it quickly took on much more meaning. Unpacking my story, I was able to observe events in my life with an objectivity that I hadn't experienced while I’d lived them in real time. Through a lens of hindsight and recovery, I made friends with my past and found value in my most difficult days. I hope that by offering my experiences, I can create a point of connection and commonality. There are a lot of fun stories in here and a few really sad ones. I'm grateful to have the opportunity to share them.”

Desolation is, at its core, about Morton's journey as a musician navigating self-doubt, anxiety, and the progressive disease of addiction, and ultimately finding relative serenity and gratitude.

“Mark Morton’s Desolation is one of the most remarkable rock memoirs I’ve ever read, and Hachette Books is thrilled to be his publisher,” said Ben Schafer, Executive Editor at Hachette Books. “Through its humility, candor, and strikingly unpretentious style, it delivers a life story that is simultaneously relatable and remarkable. The rise of Lamb of God, Mark’s surprisingly varied influences, and his personal highs and lows are all chronicled with such a disarming and rigorous honesty that readers of all sorts will be moved and inspired to create, to recover, to live in a state of gratitude.”

Buy from Amazon and all good book shops including Waterstones and Blackwell's (digital available today, hardback July 11).



Praise for Desolation:

“I’ve spent over half of my life crossing the globe with Mark Morton, and during that time he has been many things to me - bandmate, fellow roofer, drinking and drugging partner-in-crime, and even occasional drunken brawling opponent. Most importantly, he’s been my dear friend. But for almost a decade, I was thoroughly convinced I would find him dead in his tour bus bunk. This book tells those stories, but it is also the story of how I got my friend back. I don’t worry about him dying anymore, so read this and know that there is still hope, even when everything falls to pieces.” - D. Randall Blythe, author of Dark Days and singer of Lamb Of God

“As a Virginia native and as a music lover and as a former knockabout kid who loved to sneak out and head to Richmond, I found this searing, emotional, furiously raw and real memoir to be a REVELATION. Mark Morton peels back the layers of his soul and lays them bare. This is more than a memoir, it is a testament to the power of music and the love that it creates. Bravo!” - S.A. Cosby, bestselling author of All The Sinners Bleed and Razorblade Tears

LIVE REVIEW: Tool @ Resorts World Arena, Birmingham






If you were passing through Birmingham International on a Thursday night, you’d have no idea that proggy post-metal foursome TOOL were in town at the neighbouring Resorts World Arena. There’s young couples dressed to the nines at the bar; there’s denim-clad dads and copycat children at the merch desks; and there’s old-school grannies grooving their way to their seats. It’s not until the Californian’s iconic heptagram rises to the stage’s night sky as the lights go down that it’s abundantly clear it’s time to worship at the altar of messrs Maynard James Keenan, Adam Jones, Danny Carey, and Justin Chancellor.



Until then though, fellow Californian’s NIGHT VERSES slip on stage as subtly as the soundscapes they create sound. Unlike the headliners to come, the trio of guitarist Nick DePirro, bassist Reilly Herrera, and drummer Aric Improta refuse to dabble in audiovisual psychedelics, staying in their same positions from opener Arrival all the way until closer No. 0 like professional stuck-in-the-mud players.

If it wasn’t for the incendiary theatrics of Improta — who’s time in FEVER 333 with livewire frontman Jason Aalon Butler has clearly paid off —you’d be forgiven for simply believing you’d been submerged into a pool of glimmering post-prog art-rock. It’s not that NIGHT VERSES aren’t captivating — their musical chemistry is contagious as they glide through dexterous rhythmic workouts with minimal effort, as if they’ve barely broke a sweat —, it’s simply that they fail to fill a stage built for bombast and pomp.

If you’ve been plugged into NIGHT VERSES for a while, you’ll find no deep cuts as they focus on this year’s Every Sound Has A Color In The Valley of Night. It’s these cuts, over 2018’s From The Gallery Of Sleep, that shine brightest: 8 Gates Of Pleasure’s post-metal heart beats with life thanks to its story-driven voice tracks, whilst Karma Wheel roars with a Tyrannosaurus-sized riff. It’s just a shame they don’t see off their set with the Chancellor-guesting Seance — it could’ve been just the trick to lift the support slot’s level up a notch.

Rating: 7/10Tool @ Resorts World Arena, Birmingham. Photo Credit: Scott Moran

Unlike NIGHT VERSES, TOOL need not worry about holding anybody’s attention. Despite being an entirely-seated show, the 13,000 or so in attendance stand to attention like soldiers on the frontline as soon as the lights go down, and Carey, Chancellor, Jones, and Keenan take to the stage. Opener Jambi’s throbbing riffs bubble and boil up like a witch’s cauldron, as Keenan stalks the upper decks of their two-tier stage set-up like a mischievous imp doing the devil’s business, before Chancellor’s groove-laden bass delays send their mind-altering music into overdrive, coalescing with the psychedelic visuals spread out across a stage-wide screen.Just one song in and TOOL have you eating out the palm of their hands.


Draped across every other seat is a signpost to stay away from your screens, unless you fancy an early night. Before TOOL take you on a hallucinogenic journey through space and time, Keenan takes to the mic for just one of two speeches. Egging on the crowd to be “less scouse, and more brummie” and cheer louder as he greets them, he then says it’s time to undertake a journey with them, and to stay off our phones – “if you can’t stay away from your phone for two hours, then you’ve got a problem” – and if we’re good, we’ll get to film the final song.

With the ground rules read out, TOOL dive into the deep blue pool of the titular track from 2019’s comeback album, Fear Inoculum. It’s the album their nearly 2-hour, 11-song set is built around, dropping a cut ritualistically every other song. It’s testament to TOOL’s musicianship that they can play just three songs – Fear Inoculum, Rosetta Stoned, and Pneuma – in thirty minutes, and not a single soul is sat back down. It says something to the worship TOOL receives from its audience that so many of their staples — Ænema, Forty Six & 2, Schism, The Pot to name a few — are missing tonight, yet every step through their catalogue is mesmerising and worthy of inclusion.Tool @ Resorts World Arena, Birmingham. Photo Credit: Scott Moran

Intolerance has the crowd buzzing along word-for-word like bees in a hive, as Keenan stomps across his mini-stages with the sheer force of an immovable object; the 13-minute monolith Descending drifts into a dreamy world of wonder that see’s audience members swaying to and fro, tapping out Carey’s percussion on their chests, and getting lost in its labyrinthic rhythms; and the seismic chorus of The Grudge brings act one to a close in climatic fashion.

Following a 12-minute intermission – where many spend it filling up their pints – it’s time for Carey’s spotlight-stealing super-solo as Chocolate Chip Trip takes on a new life, switching into a maze of modular synths. The lamest confetti cannon explosion you’ll ever witness, like a balloon whizzing away its helium, celebrates the culmination of Flood, before Invincible makes you feel exactly that.

Having earned Keenan’s approval, the arena becomes a sea of shiny screens, thousands capturing segments of the all-conquering closer Stinkfist. It’s the explosive end to the night – like the New Years Eve fireworks – that crowns yet another set that suggests TOOL are an otherworldly being capable of creating magic out of nothing every time they step on stage.

Rating: 9/10

INTRODUCING: Fire At The Plantation House


Photo Credit: Michael Sanders

“How meticulous was it? Pretty goddamn meticulous!” laughs John Angel, aka the mastermind behind the progressive death metal entity that is FIRE AT THE PLANTATION HOUSE. He’s just been hit with what in hindsight is a bit of a silly question about the complexity of the process by which he created his debut album Southampton Insurrection – a near 50-minute concept album he has written, recorded and is now promoting entirely himself. “I was like ‘fuck it, I’m just gonna cross this bucket list item off my list’,” he explains of the project’s inception, which came shortly after his previous band fell apart. “That was 2018 when I made that decision, and here we are.”



Even beyond some of the obvious reasons for such a long gestation period – like the pandemic and the time it took Angel to assemble a home studio – Southampton Insurrection was always going to require a lot of work. As if the intricacy of the music itself wasn’t enough, its influences drawn everywhere from Angel’s education in classical music to his love of bands like LAMB OF GOD and BETWEEN THE BURIED AND ME, it also tells and embellishes the true story of Nat Turner’s Rebellion of August 1831 as Angel reckons with the United States’ history of racial injustice, its persistence today, and his own place as a person of privilege seeking to effect positive change.

“I wrote the bones of the story before I started writing music,” he elaborates. “Because I wanted the music to reflect what was happening – as much as you can with death metal and stuff. I feel like that’s something that maybe not enough bands do… a lot of time it’s just like they write the album and it sounds really cool and the pacing is great, but then the story isn’t necessarily reflected in the music.”

This is borne out especially in Angel’s use of leitmotifs and the careful attention paid to how different melodies and themes appear and reappear throughout the album. Perhaps the most crucial is the slave spiritual Go In The Wilderness – a song that has been theorised to have been used to call clandestine meetings among slaves, and that some suggest may have even been used by Nat Turner himself. It appears in various forms throughout the record, including in a fairly faithful reproduction towards the end, this as mentioned being just one of many influences that give the album such broad sonic scope.


“I didn’t worry too much about what I wanted the sound to be,” offers Angel on how he keeps it all cohesive. “It was sort of just like whatever comes out is what’s supposed to come out. I was talking to my therapist about it years ago and I still remember this conversation, I was like ‘I don’t really feel like I’m writing it right now. I feel more like I’m slowly uncovering what it’s supposed to be’. There was some quality control, I’m not trying to sit here and be like ‘I’m a fucking genius, everything that pours out of my hands and mouth is brilliant’, but I was kind of approaching it like ‘I’m just gonna make the record that I want to make.’”

Of course, Angel is keenly aware that his use of slave spirituals, and indeed his telling of the entire story, could see him credibly accused of cultural appropriation, which is why he has chosen donate 50% of all proceeds from sales of and related to Southampton Insurrection to Feed The People Collective – a grassroots, Black-led mutual aid organisation based in occupied Ohlone territory – aka San Francisco – that seeks to provide healthy meals and culinary know-how to those in need in the area.


“I really felt that I had to do something like this because I am a white man and I took a piece of music and a story that comes from the time when Black people were enslaved in the country and I made a piece of art that I always intended to sell,” he explains. “I had gone to some Feed The People Collective events and I was like ‘this is the organisation’. I know the people, they’re good people and I’ve seen how it works.”

So it’s ‘progressive’ death metal in more ways than one perhaps. Of course Angel hopes that people think Southampton Insurrection is “fucking sick” and that they are impressed that he did it all himself, but he also genuinely wants to challenge his listeners, to make them consider their place in the world, and especially what they might do to help dismantle the systems of injustice and oppression that still shape it today.

“From a socio-political standpoint, if you’re a white person and you listen to the record I want you to come away with a desire to reflect on the way the world is,” he concludes. “Especially the United States and how it came to be in this fucked up state and how you can make it better. If you’re a Black person and you’re listening to the record, I’m not telling you anything that your upbringing probably didn’t tell you, but I want you to come away knowing that there’s people in the scene who care about you, who want you to be there and who are concerned that your story and your presence is missing from the scene. If anybody wants to talk to me about anything in that regard I’m listening. I’ll answer your email, I’ll respond to your DM or whatever.”

Southampton Insurrection is out now via self-release.

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sábado, 22 de junho de 2024

HEAVY MUSIC HISTORY: Feel The Steel – Steel Panther







Pull out the hairspray, squeeze into that spandex, and call your coke dealer ‘cause we’re about to get all sorts of depraved with the band whose mission statement was the resurrection of heavy metal; STEEL PANTHER.



Before the glam metal resurgence began with the release of Feel The Steel in 2009, STEEL PANTHER had garnered themselves quite the reputation. Beginning life as cover act METAL SHOP then METAL SKOOL, the band played up and down the Sunset Strip, eventually landing themselves residencies at the illustrious House Of Blues, The Viper Room, and The Key Club. Now don’t allow us to blow smoke up anal cavities, the salacious foursome have serious musical chops. Whether it’s Satchel (guitar) wielding the axe with Rob Halford’s FIGHT, or Michael Starr (vocal) being invited to sing at a VAN HALEN reunion show before David Lee Roth decided to show up last minute, their reputation preceded them… and then some. With the likes of P!NK and KELLY CLARKSON jumping on stage for an impromptu jam session, and Mike Starr (ex-ALICE IN CHAINS) blasting through an impressive cover of Man In The Box, it was high time STEEL PANTHER had some original material.

Just how well would this parody of MÖTLEY CRÜE, WHITESNAKE, and all things 80s translate to an original record? Taking the plunge on the back of the band’s EP Hole Patrol (2003), where Fat Girl (Thar She Blows), Stripper Girl, and bonus track Hell’s On Fire originally spawned, Universal sublabel Republic Records snapped them up and Feel The Steel began to take shape. If anyone thought the vibe of The Key Club was going to be dropped purely because the band entered a recording studio, they would be sorely mistaken. Feel The Steel included a smorgasbord of metal icons. COREY TAYLOR swung for PAPA ROACH on Death To All Metal and lurked in the background for Asian Hooker and Eyes Of A Panther. THE DARKNESS’ bard Justin Hawkins serenades us to Party All Day (Fuck All Night) and AVENGED SEVENFOLD’s M. Shadows encourages us to “whip out a condom and the astro-glide” on the shall we say charming Turn Out The Lights. We even have a crossing of the streams (phrasing…) between original drummer Ray Luzier [KORN] and reigning king of the skins Stix Zadinia. That’s without trawling through the production notes for members of NELSON, EXTREME, ANTHRAX, and THE DONNAS.


Surely this star power would make for a solid album? If you thought TENACIOUS D crossed the line with iconic Fuck Her Gently, STEEL PANTHER took the line and snorted it in gloriously glam metal fashion. With the Sarah Silverman led video for Death To All But Metal, there was simply no escaping STEEL PANTHER and the infectious “Heavy Metal’s Back!”. Released first in the UK on June 8, 2009, fans of the obscene and borderline offensive lapped it up. The instrumentals of BON JOVI and POISON were suddenly cool again… even if we did have to turn it down when grandma entered the room.


STEEL PANTHER’s lyrical content comes with heavy doses of misogyny, homophobia, and sizeism. Feel The Steel was prime example of this with Stripper Girl, Girl From Oklahoma, and Eatin’ Ain’t Cheatin’. This would garner the attention of many a critic who questioned whether STEEL PANTHER was really a parody or were these the opinions of white men in metal. We’ll leave you to answer that question. However Sophie Bruce of the BBC hailed the album as “an utter feelgood masterpiece” despite the content being “sometimes so far across the line they can’t see it anymore”. The Independent scribed “Is it new? Don’t be stupid. Is it funny? Hell yeah.”. While others found the dick jokes wore thin after 40 minutes and called it “pornographically offensive”, it would be NME’s Hardeep Phull who would pull the least punches [we shall be censoring the next quote]. “Only those with a r-d grasp of comedy would want to sit at home and listen to fifth-rate, crass glam-metal parodies” Phull would say, heralding Feel The Steel as “an exercise in taking a joke way too far”.

While some were offended, others adored Feel The Steel as it would peak at 98 on the Billboard 200 upon eventual release in the US and would top the Billboard Top Comedy Albums Chart. To this day, Feel The Steel is celebrated as one of the greatest comedy albums of all time. It’s also an album which is beloved by STEEL PANTHER fans, second only to 2011’s Balls Out. Death To All But Metal decimated music channels across the Sky platform. Eyes Of A Panther became a firm live staple. While women across the world join the band on stage to be serenaded with the heartfelt “My heart belongs to you/ But my cock is community property” of Community Property. Turn Out The Lights and The Shocker may have been dropped from the live set over the years, they still remain fan favourites. The audiences must be men of a certain look and mental standpoint we hear you assume. No friends, the majority of STEEL PANTHER’s live shows were, and continue to be, women of all ages, sizes, and races as they celebrate all things carnality.

Many claim the excess of the 80s should have dispersed at the turn of the decade. Yet with economic crises and the world at large going to shit, some will take reprieve where they can get it. A lot of us still find jokes about dicks and farts funny. The elitism of the metal scene was strung up for the world to see with Death To All But Metal. The joke may have flown under the radar of some and fell flat to others at the mention of a homophobic term which is a very valid standpoint for us here at Distorted Sound but this is where the line between satirical and offensive was crossed. This is a notion STEEL PANTHER come across many times throughout their discography as we’ll cover in future Heavy Music History pieces. In the period of Feel The Steel, we had the golden age of MÖTLEY CRÜE and DEF LEPPARD reigning supreme once more and it’s those glory days some of us will continue to pine for.



Feel The Steel was originally released on June 8, 2009 via Universal.

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segunda-feira, 17 de junho de 2024

Tormentor Bestial: Legado e celebração à família em novo álbum "Eternal Nightmare"















Fotos por Pedro Campos (@pedro_audiovisual1978)


A banda de Heavy/Thrash Metal TORMENTOR BESTIAL, diretamente de Taubaté/SP, anuncia com entusiasmo o lançamento de seu quinto álbum de estúdio, intitulado "Eternal Nightmare". Este trabalho destaca-se como um marco no cenário do metal nacional, sendo inteiramente produzido "em família".

A expressão "em família" reflete a atual formação da banda, composta por parentes diretos, sendo eles: Luiz Amadeus (pai, vocal/guitarra), Pedro Teixeira (filho, vocal/guitarra), Bruno Amadeus (filho, baixo) e Niko Teixeira (filho, bateria).

"Um dos orgulhos que tenho são os meus três filhos se tornarem excelentes músicos e ainda ter o privilégio de tocar com eles. Estamos felizes e entusiasmados com este novo capítulo e esperamos que todos os fãs do metal pesado gostem do nosso som", comentou Luiz Amadeus.

Niko Teixeira complementou: "Tudo soa perfeito nessa nova fase, desde entrosamentos até ideias. Como somos todos irmãos junto ao nosso pai, não há erro com nada; encaramos tudo com certeza e descontração total. Fazemos o dever de casa direitinho e sem medo. Bom, se não fizermos, a gente fica de castigo (risos). Nossa meta agora é ensaiar muito, nos preparar para shows e montar nossa merchandise, assim começamos do jeito que tem que ser!'





















Ouça agora "Eternal Nightmare" em: https://onerpm.link/731581573480

Arte de capa por Fábio Menezes (Inkcreations)
Gravado em Audiolab Extreme Studio, em Taubaté/SP
Produção, mixagem e masterização por Tormentor Bestail

Desde sua fundação em 2008, por Luiz Amadeus e Niko Teixeira, a banda passou por algumas mudanças de formação, mas sempre buscou criar um Thrash/Heavy Metal pesado e agressivo, incorporando influências que vão do Hard Rock, Heavy Metal Tradicional (NWOBHM) até o agressivo Thrash Metal Oitentista.


Como uma boa família unida que se preze, onde procuram sempre fazer tudo juntos, "Eternal Nightmare" foi logicamente todo composto, gravado e produzido pelo quarteto, em seu próprio estúdio (Audiolab Extreme Studio), e por conta dessa interação mais intimista trouxeram uma abordagem bem diferente dos álbuns anteriores.

Sobre a sonoridade de "Eternal Nightmare", Luiz Amadeus comentou:

"Neste álbum, aprimoramos ainda mais as guitarras, optando por uma bateria com sonoridade mais acústica e pesada, utilizando trigger apenas nos bumbos. As guitarras estão mais densas e bem definidas, enquanto o baixo possui um timbre mais estralado. Nas seções de solos, adotamos uma abordagem inovadora, destacando o baixo e proporcionando uma sensação mais autêntica e próxima de uma performance ao vivo quando a guitarra assume o solo."

As letras do álbum consistem em 10 faixas baseadas em histórias e contos variados, mantendo-se afastadas de temas políticos. Cada música apresenta uma narrativa distinta, abordando temas que vão desde histórias antigas e terror até críticas sociais, lutas contra vícios, resiliência e corrupção nas religiões. Tudo é escrito de forma conotativa, deixando margem para ambiguidades.

O lançamento de "Eternal Nightmare" não é apenas um marco na trajetória da Tormentor Bestial, mas também um testemunho da união e do espírito familiar que permeia a banda. A colaboração entre pai e filhos não só fortalece os laços pessoais, como também enriquece a música com uma sinergia única. Este álbum é um tributo ao poder da família e à paixão compartilhada pela música, comprovando que, quando se trabalha em harmonia, o resultado é um som autêntico e poderoso que certamente ressoará no cenário do metal nacional com sobras.

Siga as mídias sociais da banda em @tormentorbestial

Assessoria de Imprensa: JZ Press (@jzpressassessoria)














PRIMITIVE WARFARE TO LAUNCH "EAST COAST ASSAULT" US TOUR TOMORROW









American war metal entity, Primitive Warfare, will be launching their "East Coast Assault" tour in support of Ares Kingdom, along with Black Eucharist. The onslaught will launch its first strike in Atlanta, GA tomorrow, June 18, and will continue to lay waste to the states until it ceases fire on June 22 in New York City. The full itinerary can be found below.

sábado, 15 de junho de 2024

ENTREVISTA PEDRO STEVES LIAR SYMPHONY










O Liar Symphony iniciou oficialmente as suas atividades em janeiro de 1993. Pedro Esteves, fundador da banda, vinha desde a metade de 92 procurando músicos para iniciar o seu projeto e, no começo de 93, a banda teve a sua primeira formação.


Entrevista Pedro Esteves
Por:Lis Muniz  

1)como foi seu início no mundo da música?
Eu nasci em Portugal, lá comecei a tocar piano aos 6 anos de idade, aos 9 anos me
mudei para o Brasil e comecei a tocar violão por não ter um piano disponível. Me
identifiquei muito com o instrumento e logo passei para a guitarra, o resto é história....

2) você é um dos fundadores de uma das maiores bandas
De metal o liar symphony ?como foi o início da banda?

Obrigado pela consideração. Comecei o projeto da banda em 1992 porque percebi muito
cedo a minha vocação como compositor e também que não gostava de tocar apenas por
dinheiro como músico contratado ou músico de eventos. Em 1993 consegui juntar o
primeiro embrião da banda, chegamos a gravar uma demo, mas não fomos em frente
com a divulgação porque eu ainda não tinha certeza da sonoridade que tínhamos na
época. Em 1995 firmamos a primeira formação clássica da banda que seguiu até o
primeiro álbum. Foram muitos anos de dedicação, investimento e trabalho até
conseguirmos lançar o nosso primeiro trabalho.




3) Eu conheci a banda através do álbum affairs honour de 2000, como foi a gravação
desse grande álbum?
Foi uma época mágica e ao mesmo tempo cheia de dúvidas para nós. Éramos uma
banda que estava buscando o seu lugar no mercado e quando conseguimos nosso
contrato ficamos muito eufóricos. Nós tínhamos o Affair pronto pois trabalhamos nele
por muito tempo então, nesse sentido foi um pouco mais tranquilo, mas foi a primeira
vez que lidamos com a pressão do mercado, da mídia, da gravadora etc. Tenho muitas
memórias boas das sessões de gravação do álbum, isso aconteceu no final de 1999, foi
realmente mágico.

4) Como foi a repercussão desse álbum na época?
 
Surpreendente é a palavra que melhor define.
Éramos uma banda nova no mercado, não sabíamos como seria a recepção do nosso
trabalho porque tínhamos uma sonoridade bem diferente das outras bandas da época,
mas, assim que o álbum saiu percebemos que as coisas iriam acontecer. Em muito
pouco tempo conseguimos um contrato com a Soundhólic do Japão, laçamos também na
Europa, saímos em várias revistas pelo mundo e, inclusive no Brasil, naquele ano,
ficamos entre os melhores do ano nas votações das revistas especializadas, em vários
quesitos. Esse trabalho com certeza fincou o nosso nome da cena mundial.


5) Qual foi a importância do selo mega-hard para a banda ?e como foi feito a
distribuição ..
A Megahard foi muito importante para nós, pois foi ela que acreditou no nosso trabalho
e investiu na banda. Como eu disse anteriormente, o Liar Symphony tinha uma
sonoridade muito diferente das outras bandas da época, por um lado isso era bom pois,
nos diferenciava do restante, mas por outro lado deixava as gravadoras com receio de
apostar em algo que tinha um som diferente. Eu só tenho gratidão a tudo que a
gravadora fez por nós, lançamos 3 albuns com eles, tivemos sim alguns problemas etc,
mas isso é normal nesse meio. No geral foi essencial para a nossa existência. Naquela
época a Megahard era uma das gravadoras brasileiras que mais apostava e investia em
bandas novas. Eles tinham uma boa distribuição tanto no Brasil quanto fora, e isso nos
ajudou muito.


6) Eu lembro que a banda saiu em várias revistas de metal ,e a rock brigade foi uma que
divulgou a banda ,como era a cena do metal se falando em underground?
Era totalmente diferente dos dias de hoje. As revistas dominavam o mercado
fonográfico porque era o único meio, ou um dos únicos meios de divulgação
especializado. Isso inclusive gerou alguns problemas porque algumas eram tendenciosas
e exaltavam quem lhes interessava, mas ignoravam que não lhes interessava também.
No geral sempre tivemos um bom relacionamento com a mídia impressa, tivemos
alguns momentos críticos também, mas isso não vem ao caso.


7) O liar symphony sempre tocou um metal voltado ao progressivo ,com um
instrumental impecável e destruir como são feitas as composições da banda ?
Não existe uma fórmula, as composições sempre foram feitas com alma, era verdadeiro,
era o que vivíamos e o que sentíamos na época. Acredito que cada álbum que lançamos
foi o reflexo exato do momento que estávamos vivendo. Eu sempre fui o compositor
principal da banda por ter muita facilidade nesse aspecto, mas a sonoridade foi mudando
com o passar do tempo e também com a contribuição e a personalidade de todos que
passaram pela banda.




8) A Banda foi formada em 1993 ,quais as diferenças de se fazer metal naquela época e
nos dias de hoje?
Estamos falando de 31 anos atrás, tudo era diferente, o mundo era diferente. Fomos
influenciados pela geração que vivíamos e hoje, essa nova geração é influenciada por
outra. A única coisa que sinto diferença é que talvez por ser muito mais difícil gravar,
tocar etc, nós dávamos mais valor e nos dedicávamos mais ao nosso trabalho, mas isso é
apenas algo que eu sinto e pode não ser a realidade para todos que estão na batalha.

9)before the end e spirit machine são grandes álbuns da banda como foi a repercussão,e,
como foi feito a produção desses clássicos do metal mundial ?




São dois momentos muito diferentes da nossa carreira.
No Spirit Machine nós tínhamos sofrido a perda do nosso vocalista Villo Nolasco, e isso
foi muito impactante para nós, pois ele era uma peça muito importante que nos ajudava
a ter essa sonoridade diferente das outras bandas. Isso acabou atrasando o lançamento
do álbum em um ano e como não achamos nenhum vocalista na época que sentimos ser
a pessoa certa, eu acabei gravando os vocais para cumprir o contrato com a gravadora.
Pra nossa surpresa o trabalho foi muito bem aceito e até hoje vários fãs relatam ser um
dos seus preferidos.
Já no Before the end estávamos em um momento muito sólido, uma banda muito boa,
afiada, tecnicamente e emocionalmente, e isso acabou refletindo diretamente no
resultado do álbum. Acredito ser o trabalho mais consistente, bem tocado, bem gravado
e composto pela banda até hoje, ali encontramos em equilíbrio entre o peso, os arranjos,
a sonoridade em geral. É um trabalho que nos orgulha muito.




10) Quais lembranças da abertura do show do Saxon em maio de 2002 em São Paulo/SP
e qual a importância que essa abertura teve para o crescimento da banda?
Antes de abrir para o Saxon já havíamos tido a oportunidade de tocar com outras bandas
internacionais, em 1998 com o Mercyful Fate e Savatage, por exemplo.
O show com o Saxon foi muito bom, estávamos em tour de divulgação do nosso
segundo álbum, The symphony goes on. Fomos muito bem recebidos pelo público, e
vale ressaltar aqui também, muito bem recebidos pelo Saxon, foram muito simpáticos
com a gente, nos deixaram a vontade. Foi um dia para ser lembrado por muito tempo.


11) como o Pedro Esteves enxerga a cena do metal nos dias de hoje?
O mundo é muito diferente de antigamente, não só na música, em geral. Acho que hoje
por conta das plataformas de distribuição de música e das redes sociais, as bandas
acabam se preocupando muito com imagem e com coisas abstratas e, em grande parte
acabam esquecendo-se do que mais importa que é a música.
Acredito que ninguém sabe ainda como trabalhar corretamente nessa nova realidade,
por isso vemos os grandes cada vez mais “grandes” e pouca coisa nova aparecendo.
É um novo ciclo, temos muito que aprender ainda sobre como trabalhar sem as
gravadoras e conseguir auto-gerenciar a carreira. Mas uma coisa é fato, tem muita banda
boa por aí, músicos excelentes e com ótimos trabalhos.






12)o que você acha que faltou para a banda se tornar relativamente Mai streammer?
Uma sucessão de fatos...

Trabalhamos muito para vencer, mas como disse antes, antigamente as coisas eram
muito mais lentas e difíceis. Quando as grandes oportunidades apareceram para nós
como tours no exterior etc, elas chegaram meio tarde, nós já estávamos em uma fase das
nossas vidas pessoais que não nos permitia arriscar muito, responsabilidades, família,
filhos etc.
Por outro lado somos muito satisfeitos com tudo que conseguimos alcançar, temos um
currículo sólido com 6 álbuns de estúdio, 1 cd e DVD ao vivo. Poucas bandas no nosso
meio foram tão produtivas como nós, e por tanto tempo.


13)o que o Pedro Esteves faz nos dias de hoje?se falando em música?
Sou professor de guitarra desde 1995, esse sempre foi meu trabalho principal. Sou
professor do Conservatório Municipal de Guarulhos em SP onde tenho um curso de
guitarra especializado em Rock, e tenho a satisfação de formar ótimos profissionais da
guitarra ao longo dos anos.
Tenho o meu estúdio, o Estúdio Masterpiece, desde 2004, onde desenvolvo um trabalho
de produção especializado no Rock. Lá, ao longo desses 20 anos desenvolvi vários
trabalhos com bandas e artistas que estavam em busca do seu lugar ao sol, e continuo
até hoje. O trabalho de produtor me realiza muito profissionalmente, é algo que tenho
muito prazer em fazer.
Além de todos os trabalhos que lancei com o Liar Symphony, lancei outros projetos
como o Dead Man Walking (Heavy-Thrash), o Hardshine (Hard-Rock), e também dois
albuns solo de música instrumental. Aliás, estou nesse momento em fase de gravação do
meu terceiro álbum solo que tem previsão de lançamento até o final desse ano.
Todos esses trabalhos estão disponíveis nas melhores plataformas de música digital para
quem quiser conhecer.







14)deixe uma mensagem aos fãs da banda e de seu trabalho?
Sou um cara muito realizado com o que faço e satisfeito com tudo que conquistei. Já
vivi momentos memoráveis, tive a oportunidade de tocar e gravar com excelentes
músicos e pessoas. Acredito que a vida é isso, estar em paz com o que faz e realizado
com as conquistas.
Quem quiser conhecer mais sobre o meu trabalho:
www.estudiomasterpiece.com.br
www.pedroesteves.com.br
Obrigado pela oportunidade.


Nos vemos por aí!

BATHORY: O INÍCIO DO BLACK/VIKING METAL




BATHORY: O INÍCIO DO BLACK/VIKING METAL
⛧⸸ 𝕻𝖊𝖗 𝖄𝖓𝖌𝖛𝖊 𝕺𝖍𝖑𝖎𝖓 ⸸⛧ 06/23/22



Bathory foi uma banda de Black/Viking Metal formada por Thomas Börje Forsber, conhecido como Quorton em 1983 na Suécia. Considerada, a banda que influenciou outras bandas do mesmo gênero nos anos 90, a história de Bathory é marcada com alguns mistérios, principalmente dos outros integrantes. O nome da banda é homenagem a Condessa húngara Elizabeth Bathory (famosa pelos “supostos” banhos em sangue).




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A banda começou sendo apenas um projeto de estúdio e praticamente não teve apresentações ao vivo.O primeiro álbum “Bathory”, considerado um clássico do Black Metal foi lançado 1984, esse disco tem a capa preta com um bode dourado (símbolo da banda), mas na época, o preço ficaria caro e o logotipo foi impresso em branco. Foram feitas apenas 700 capas com o bode amarelo, que ficou conhecido como “The Yellow Goat”.


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Em 1985, foi lançado o segundo álbum “The Return”, a música “Born for Burning” foi dedicada a uma mulher chamada Marigje Arriens, que foi acusada de bruxaria e executada na Holanda.


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O terceiro álbum “Under Sign of Black Mark” é de 1987 e foi marcado por uma transição do Black Metal satanista para algo mais elaborado. As letras tratam de mitologia nórdica, algo inovador para a época, inclue teclados e passagens mais lentas. A capa do álbum traz uma foto do Stockholm Opera House na capa. A música “Woman of Dark Desires” é dedicada à memória de Elizabeth Bathory (1560-1640) e “Of Doom” aos fãs.


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No ano de 1988, é a vez do “Blood Fire Death”, que para mim, é o melhor disco do Bathory. As músicas “Blood Fire Death” e “A Fine Day to Die”, são hinos da banda. As letras falam sobre guerra e batalha vikings e a capa é uma pintura de 1872 do pintor norueguês Peter Nicolai Arbo, chamada “Asgardsreien”.


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No ínicio de 1990, Bathory assina com a Noise Records e no mesmo ano lança o álbum “Hammerheart” com o primeiro e único clipe “One Rode to Asa Bay”. A capa deste álbum é uma obra do pintor inglês Frank Dicksee.


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Dissection — Última entrevista com Jon Nödtveidt





Dissection — Última entrevista com Jon Nödtveidt







Anunciada como uma entrevista pelos fãs Para os fãs, diz-se que sua entrevista final é a seguinte.

Você pode explicar a ideia de que o Rebirth of Dissection encerrou, e essa é uma nova fase? Como seria esta nova fase?
Nödtveidt: “É uma nova fase, já que é o começo do fim … e o faminto fim está chegando em breve …”

A turnê Rebirth of Dissection foi um grande sucesso para você, com shows esgotados em toda a Europa e shows adicionais na América do Sul e México. Foi também a maior turnê até agora em sua carreira, com algo como 60 shows e 20 países ou mais. Como foi a sensação de finalmente encontrar os fãs novamente depois de mais de 7 anos?
Nödtveidt: “Nós nunca poderíamos imaginar que o interesse e a demanda pelo retorno do Dissection seriam tão altos depois de sete anos de ausência. Eu acho que foi como um choque para todos nós. Antes do primeiro show em Estocolmo, em em 30 de outubro de 2004, o show já havia esgotado duas vezes antes de ser transferido pela terceira vez para um lugar ainda maior, mas foi só quando enfrentamos a multidão que tudo ficou mais claro para nós. Sair daquele palco em Arenan, em Estocolmo, menos de um mês e meio após a minha libertação da prisão, é uma das experiências mais surreais da minha vida, que durou toda a turnê de Rebirth of Dissection que se seguiu. Acordar todas as manhãs em um ônibus de turismo em vez de uma cela de prisão, apenas esperando que isso nunca acabasse. Quando voltamos para a Suécia no final da turnê, estávamos todos muito tristes com o término da turnê, mas sabíamos que tínhamos trabalho a fazer. Começamos a ensaiar intensamente para a próxima gravação de Reinkaos e entramos no estúdio um pouco mais de um mês depois.”

Como foi a manchete do último dia do poderoso Inferno festival na Noruega no ano passado? E conte-nos o que aconteceu no final do show, quando você interpretou Elisabeth Bathory “acústica”!
Nödtveidt: “Ha ha … Bem, o que aconteceu foi que, quando tocamos nosso set, que era bastante extenso, a propósito — quase duas horas, a platéia ainda estava exigindo um bis depois de deixarmos o palco, e eles não paravam de gritar por isso. Então decidimos que deveríamos lhes dar uma última música. Então subimos ao palco novamente apenas para que o gerente do palco aparecesse loucamente dizendo que não podíamos tocar mais e que eles tinham que fechar o local. Eu disse a ele que, com todo o respeito, não achei que o público concordaria, pois eles não iriam embora e certamente não ficariam felizes se os guardas tentassem forçá-los a sair do corredor. O local estava totalmente iluminado pelas luzes no teto e eles desligaram o PA, então nós começamos a música ‘Elisabeth Bathori’ sem nenhum outro som além dos amplificadores no palco e da própria bateria, e como não tínhamos nenhum som dos microfones, o público cantava a letra para nós! A voz da platéia quase levantaria o teto sozinha! O gerente de palco ficou louco, é claro, mas o que podemos fazer? Que lembrança!”

Dissection é uma banda que realmente parece se importar com seus fãs. Eu realmente aprecio isso. Qual é a sua opinião honesta sobre as bandas que não se importam com seus fãs e pensam que teriam sucesso mesmo sem eles?
Nödtveidt: “Eu não conheço essas bandas… Para o Dissection, além de escrever e tocar a música apenas por nossa própria necessidade e motivação criativa, os fãs sempre foram a prioridade. Dizemos” foda-se “para a indústria da música em geral e também a mídia, já que o que mais experimentamos é desonestidade e deslealdade. Mas reconhecemos e apreciamos o apoio que recebemos de nossos fãs e aliados leais. Eles fazem parte do Dissection e do que fazemos.”

Segundo a filosofia da MLO, os membros da Ordem são os eleitos e o resto da humanidade são ovelhas/argilas nascidas ou simplesmente seres inferiores. Portanto, a banda tem desprezo pela maioria, se não quase toda a base de fãs do Dissection, e como isso os faz sentir quando têm que trocar em interação social com os fãs ou tocar para eles?
Nödtveidt: “Não vemos a misantropia como uma coisa simbólica quando afirmamos que este mundo é nosso inimigo, e neste mundo de inimigos, apreciamos aqueles poucos que realmente estão do nosso lado e os tratamos como aliados. Você se reconhecerá, dependendo de qual categoria você pertence — se você é a favor ou contra o que defendemos.”

Existe essa incrível aura e burburinho sobre o Dissection que não se pode negar (o Slayer é outra banda que vem à mente com essa aura sobre eles), e uma que durou ao longo dos anos desde a primeira fase de The Somberlain e Storm of the Light’s Bane. A que os membros atuais atribuem isso? E também — há uma razão pela qual Jon escolheu não recrutar nenhum de seus ex-companheiros de banda para a encarnação atual de Dissection? Como você entrou em contato com Set e Tomas?
Nödtveidt: “Foi um processo longo e havia muitos obstáculos no caminho… muitos para mencionar, mas meu objetivo era encontrar uma formação que compartilhasse as mesmas visões que eu em termos de usar a música do Dissection como um ferramenta mágica negra. Portanto, eu só queria satanistas na banda… e, consequentemente, os membros antigos estavam fora de questão. E, tendo estabelecido esse objetivo, não facilitei as coisas para mim. Eu estava convencido de que era apenas uma questão de tempo até encontrar os membros certos. Enfim, entrei em contato com Tomas no início de 2004. Ele ouvira dizer que o Dissection precisava de um baterista para a nova formação, então ele entrou em contato com as pessoas que administravam nosso site. Liguei para ele e decidimos curtir em uma das minhas saídas da prisão. Acabei de me mudar para uma prisão mais “aberta”, onde passaria o último semestre da minha sentença e lá eu recebia saídas curtas todo segundo final de semana e nos encontramos em uma dessas saídas em um restaurante em Estocolmo e conversamos sobre tudo, desde suas convicções pessoais, ambições e visões de ser um satanista, bem como um músico e como fazer isso se fundir em uma banda, para conectar os poderes de algo tão único quanto uma formação completa “totalmente satanista”. Nós dois tivemos experiências ruins anteriores tocando com pessoas que não levavam as coisas a sério e que não compartilhavam as mesmas convicções por trabalhar com os poderes do lado negro de maneira séria, além de não ter a capacidade de dedicar a devida dedicação em um projeto musical genuinamente satânico. Obviamente, tínhamos muito em comum e nós dois sabíamos o que queríamos. Então, logo começamos a ensaiar no estúdio de Tomas, apenas nós dois, e continuamos a discutir os conceitos de usar a banda como a ferramenta satânica que eu sempre quis que fosse. Musicalmente, nunca havia conhecido um baterista tão habilidoso e com uma abordagem tão profissional ao seu ofício antes. Variando em amplos domínios da música, tudo, desde as batidas explosivas mais rápidas e brutais, até o rock progressivo e o ritmo e firmeza do hard rock e do heavy metal. Eu acho que é em parte um resultado merecido de dedicação determinada à bateria por mais de 25 anos intensos. Ele poderia basicamente tocar toda e qualquer coisa. O antigo material do Dissection não era páreo. Eu sabia que tinha encontrado o homem certo para o trabalho! No entanto, foi mais difícil encontrar o guitarrista certo. Pesquisamos meses e meses sem encontrar o que estávamos procurando. Não era tão difícil encontrar guitarristas talentosos; tivemos muitos deles se aplicando. O problema era encontrar alguém que fosse um guitarrista matador e um satanista! Depois de testar vários guitarristas no verão de 2004, finalmente encontramos o Set. Quando ele finalmente veio da Itália, soubemos imediatamente que a busca havia terminado. A energia e o espírito que ele irradiava no ensaio, assim como pessoalmente, tornaram tudo muito fácil para nós; ele tinha que estar no Dissection! Eu estava em contato com ele há algum tempo via cartas, mas foi só quando ele veio para a Suécia que nos conhecemos de verdade. Set provou ser uma das pessoas mais determinadas e legais que eu já tive o prazer de conhecer e que ficamos juntos como irmãos desde então. Como guitarrista, ele canaliza a corrente como ninguém mais e vem evoluindo imensamente! Com Set se juntando ao Dissection, a formação estava finalmente completa e a banda estava se preparando para o Rebirth. Nós apenas tivemos que esperar minha libertação da prisão para acontecer. Enquanto isso, a formação ensaiava intensamente sem mim diariamente pelos próximos dois meses, juntando-me às minhas curtas saídas.”

A questão do baixista … Não está claro para mim e acho que para muitos outros. Existe um? Session ou membro permanente?
Nödtveidt: “Erik Danielsson é o nosso baixista atual, porém apenas ao vivo. Ele é o único até agora que, em nível pessoal, tem trabalhado no Dissection e ele está totalmente por trás do nosso conceito satânico e dos objetivos espirituais da banda.”

Ouvimos dizer que pouco antes de você ser preso, um álbum seria gravado e a banda havia marcado uma data para o estúdio. O que aconteceu com esse álbum/material? Reinkaos é o mesmo álbum com algumas mudanças nele ou é totalmente diferente?
Nödtveidt: “Este material não estava longe de terminar naquele momento, mas ainda era a semente do que agora floresceu em Reinkaos. O material estava constantemente crescendo e evoluindo durante os anos na prisão, como as músicas de Reinkaos se manifestavam. Mas foi preciso anos de carinho antes que a semente pudesse florescer de uma maneira que eu estivesse satisfeito. Não até o álbum ser finalmente organizado e gravado com a formação completa, na verdade.”

Você vê alguma diferença entre escrever música na prisão e escrever música em liberdade? Você acha que o tempo de prisão teve um grande efeito na nova música do Dissection que você escreveu “dentro”? Você acha que soaria diferente se você o escrevesse lá fora
Nödtveidt: “Acho que a única coisa que importa é o tempo, esforço e dedicação que você coloca no que faz. Mas a situação em que eu estava com certeza ajudou muito, em termos de tempo, ao menos! E para criar ”Reinkaos“ eu também precisava de um estado de foco fanático, que foi algo que encontrei dentro dos muros da prisão.”

Quando você estava na prisão, o que o mantinha ocupado para passar o tempo? Algum incidente com outros presos, ou talvez você tenha conhecido alguém com pensamentos semelhantes por lá para discutir? Não conheço a situação nas prisões suecas?
Nödtveidt: “Minha primeira vez atrás das grades, 11 meses para ser exato, passei em custódia devido ao julgamento, o que significa que fiquei isolado por causa da investigação em andamento. Algum tempo depois do julgamento, fui transferido para uma prisão regular (segurança máxima). Eu passaria os primeiros seis anos em prisões de alta segurança como essa. Inicialmente, não tive a possibilidade de ter um violão lá, mas com o tempo acabei conseguindo ter acesso tanto ao violão quanto a minha guitarra. Na prisão, eu trabalhava na indústria penitenciária e estudava, escrevendo música, estudando o ocultismo, malhando na academia da prisão, dando passeios intermináveis ​​pelo pátio da prisão e conhecendo o ambiente local e seus habitantes… Eu conheci muitas pessoas interessantes lá e tivemos ótimos momentos também, não importando estar na prisão. Em 1999, foi formada uma irmandade que consistia em pessoas com sentenças muito longas e uma forte simpatia pela mentalidade “fora da lei” e por muitos dos ideais espirituais da MLO. No final, crescemos em uma força bastante poderosa com irmãos em todas as principais prisões da Suécia. Depois de um tempo, as autoridades da prisão fizeram o possível para nos separar e enviar membros para lugares diferentes, mas conseguimos nos divertir de qualquer maneira.”

Você teve alguma revelação espiritual enquanto estava na prisão?
Nödtveidt: “Eu realmente tive tempo para me conectar em um nível mais profundo com a força interna que me guiava no caminho da mão esquerda”.

Eu entendo que você considere o ‘Reinkaos’ como o seu melhor álbum. Qual é a sua opinião sobre seus trabalhos anteriores, especialmente Bane, Storm Of Light’s Bane?
Nödtveidt: “Considero que os dois capturaram uma essência muito forte e uma atmosfera sinistra e estou muito satisfeito com os dois. Acho que ambos resistiram ao teste do tempo. Pelo menos se você acompanhar a popularidade deles.“

Qual é a reação da banda a essas queixas de que o novo som do Dissection está muito longe do som antigo do Dissection?
Nödtveidt: “Nosso objetivo não é copiar a nós mesmos. Os álbuns antigos (dos quais eu tenho muito orgulho) ainda estão disponíveis para todos que querem ouvi-los, então não há o que reclamar, a menos que seu CD player não funcione. Seria um sinal de atraso se estivéssemos no mesmo local por onze anos… Aqueles que não evoluírem perecerão.”

Quando comparo os conceitos líricos dos três álbuns de estúdio, percebo que a natureza e o núcleo de suas crenças parecem ter permanecido inalterados em mais de uma década. O que é que lhe dá a convicção e idéias para se apegar ativamente a essas crenças?
Nödtveidt: “A essência além das formas”.

Li muitas informações em seu site sobre as crenças da MLO. O que li parece se basear principalmente na religião/mitologia suméria. Existem referências em suas músicas a deuses/deusas de outras religiões, como os antigos egípcios e hindus. Você pode explicar como suas crenças se relacionam com essas religiões? Existem outras religiões antigas incorporadas aos princípios da MLO?
Nödtveidt: “Certos elementos da religião suméria antiga desempenham um papel importante no sistema de crenças existente na MLO, como por exemplo o mito da criação de Enuma Elish, mas o sistema sumério em si não é o foco principal. Colocamos o foco em todas as tradições que trabalham com os poderes da noite e que conduzem pelo caminho da esquerda em direção à gnose e à transcendência espiritual. Como você mencionou, diferentes correntes esotéricas das antigas práticas espirituais egípcias, persas, sumérias/babilônicas, védicas, nórdicas e helênicas são de grande interesse e são enfocadas no funcionamento de nossa Ordem. Alguns de nós também trabalham com tradições derivadas da Quiumbanda afro-brasileira e cultos sul-americanos do Senhor da Morte.”

Você poderia nos explicar brevemente quais são suas crenças religiosas? O que é o MLO? Quem é Frater Nemidial?
Nödtveidt: “Frater Nemidial é o Magister Templi do MLO. Quanto à outra parte da pergunta, eu já respondi tantas vezes antes e as informações sobre o MLO estão disponíveis para aqueles que têm vontade de procurá-lo.”

O que simboliza a reencarnação do caos para os membros do Dissection?
Nödtveidt: “Acho que você está se referindo ao título “Reinkaos” e seu significado. Mas Reinkaos não significa ”reencarnação do caos“, significa “retorno ao caos” e é o oposto de reencarnação (que significa ”retornar à carne”). Reinkaos é o quinto estágio da Alquimia Proibida dentro dos ensinamentos da MLO e faz parte do processo Atazoth que, através do aumento do poder Acausal do espírito, possibilita a transcendência do mundo da matéria e o retorno ao caos pandimensional”.

Existem livros ou escritos especiais que o inspiraram no trabalho de Reinkaos?
Nödtveidt: “O conceito de Reinkaos é baseado no livro Liber Azerate e nos ensinamentos da MLO”.


Dissection sempre foi sobre a busca de aperfeiçoamento (perfeição), progressão e evolução. Sua música é uma verdadeira representação de seu espírito interior e vontade. Você pode nos dizer por que essas coisas são tão importantes não apenas para o Dissection como uma entidade, mas para cada um de vocês individualmente como satanistas anti-cósmicos? Você vê as qualidades como uma conquista que todos os satanistas anti-cósmicos devem buscar?
Nödtveidt: “Melhoria, progressão e evolução fazem parte do caminho para a libertação e, portanto, podem ser vistas como qualidades que todos os satanistas deveriam buscar”.

Que conselho (se houver) você daria a alguém que tenha interesse no satanismo anti-cósmico?
Nödtveidt: “Estudar tudo o que eles conseguirem conectar com a tradição e colocar em prática o que aprendem”.

Qual a importância que você dá para a condição física para o satanista sério?
Nödtveidt: “O que deveria ser mais importante para um satanista é a condição espiritual”.

O que exatamente significa a fórmula da música ‘Starless Aeon’: Dies Irae, Dies Illa, Solvet Cosmos In Favilla. Vocamus Te Aeshma Diva !?
Nödtveidt: “O dia da ira, naquele dia, dissolverá/reduzirá o cosmos a cinzas. Invocamos à Aeshma Diva! (Aeshma-Diva significa” O Deus da Ira “em persa)”.

Dissection desempenha um papel importante para o MLO, por quê?
Nödtveidt: “O MLO desempenha um papel importante para o Dissection. E mesmo que o Dissection seja a unidade de propaganda sônica do MLO, o MLO em si não tem nada a ver com música”.

Você tem alguma maneira especial de fazer sua música? Desde que deveria ser “mágico”?
Nödtveidt: “O processo de composição de músicas tem para mim uma função espiritual em nível pessoal, pois eles são hinos aos diferentes poderes e princípios, Deuses Sombrios, que são uma parte central da corrente 218. Liricamente, as músicas são baseadas em invocações e fórmulas que foram vinculadas às letras para evocar os poderes que representam. A teoria musical oculta foi aplicada no processo de composição das músicas como um meio de carregar simbolicamente suas estruturas, além de terem sido inspiradas em idéias científicas, como a teoria das cordas etc. As músicas foram todas escritas com a intenção de usar sons e vibrações como uma ferramenta anti-cósmica e todas foram conscientemente criadas para serem os vasos desses poderes “.

O que você tem a dizer às pessoas que não acreditam em “mágica” ou ocultismo?
Nödtveidt: “Nada. As pessoas podem acreditar ou não acreditar no que querem. Eu não poderia me importar menos.”

Você pode falar sobre sua própria gravadora, a Black Horizon Music?
Nödtveidt: “Formamos nossa própria gravadora, Black Horizon Music, com a necessidade de assumir o controle de nossos próprios negócios e fazer as coisas do nosso jeito, sem compromisso.

O que você acha da cena do black/death metal? O Dissection parece seguir seu próprio caminho, além dessa cena? É realmente assim e por quê?
Nödtveidt: “Você está certo, e isso é simplesmente porque tocamos “música satanista”. Seguimos nosso próprio caminho nesse aspecto e não precisamos fazer parte de nenhuma cena musical/metal. Na verdade, nos distanciamos dela na maior extensão. Para nós, não há cena da qual fazer parte, nada com o qual nos identificamos. O que é aquilo? “Death metal”, no que me diz respeito, não tem nada a ver com adorar a morte, como era de acordo com certas pessoas, e ninguém daqueles que começaram o “black metal” também eram satanistas, e assim como as bandas de hoje, foi apenas um truque com suas letras e imagens. Como os membros da Dissection pertencem ao culto de Satanás-Lúcifer e ao culto necrosófico do Senhor da Morte, escolhemos rotular nossa música “Anti-Cosmic Metal of Death” para mostrar a direção espiritual de nosso trabalho. Não pertencemos à cena musical atual.”

Como você vê a recepção de sua música real após quase 11 anos de silêncio?
Nödtveidt: “Estou muito satisfeito com a forma como o álbum foi recebido até agora, tanto por quem gosta e entende como por quem não entende. Quanto a quem não entende, o álbum nunca foi feito para eles. Com a música como uma ferramenta ritual, pretendemos alcançar apenas aqueles do mesmo sangue espiritual que o nosso. Aqueles que conseguem encontrar a essência por trás das formas da música. Para todos os outros, a música ainda pode ser sons que eles podem gostar ou não.”

O que está por vir para o Dissection, mesmo nesses primeiros dias do lançamento de Reinkaos?
Nödtveidt: “Toda jornada termina e agora estamos chegando ao fim da linha com Dissection, mas ainda pretendemos deixar nossa marca final, apresentando o material de Reinkaos ao vivo”.

Ultimamente, tenho um sentimento tão estranho que o Dissection se sairá após o Midsummer Massacre. Quero dizer, o que mais depois de Reinkaos, o que mais depois do grande retorno?
Nödtveidt: “O que temos à nossa frente agora são alguns concertos extremamente selecionados que marcarão o fim do Dissection, dos quais o Midsummer Massacre do Dissection na Suécia em 24 de junho será o único concerto europeu, bem como também faremos nosso primeiro e último concerto em Israel, assim como dois shows finais no continente americano.

Atingi as limitações da música como uma ferramenta para expressar o que quero expressar, para mim e para os outros que me interessam, e agora passarei para outros domínios da prática. Reinkaos tem sido nosso único foco por um período tão longo e todo o trabalho e dedicação fanática colocados na banda por cada membro foram direcionados para este álbum. Com o Reinkaos finalmente gravado e lançado, também percebo que não me resta mais nada com o Dissection. Conseguimos nossa tarefa de manifestar, em essência, um registro verdadeiramente satânico abençoado pelos deuses das trevas e conseguimos com nosso objetivo manifestar uma banda verdadeiramente satânica! Meu objetivo era trazer de volta o Dissection com força total e torná-lo a unidade satânica que eu sempre quis que fosse e a ferramenta para concluir o trabalho de magia negra pessoal que foi iniciado muitos anos antes. Com Reinkaos, tudo isso foi alcançado e estou muito, muito satisfeito com o resultado. Nem seria desejável que eu continuasse, já que tudo o que eu sempre quis expressar está lá. É por isso que agora decidimos que este é o momento de seguir em frente e onde o Dissection não será mais uma banda ativa. Portanto, é uma grande vitória para mim ir além dessa fase do devir pessoal. Com “Reinkaos” chegamos ao capítulo final. O trabalho do Dissection está concluído e este é o nosso legado. Quero agradecer aos meus irmãos em batalha, Set e Tomas por tornar isso possível. Salve Satan! Salve Azerate 218!”

Publicada originalmente em http://bravewords.com/news/dissection-final-interview-with-jon-nodtveidt-available
Traduzida por: 𝕸𝖆𝖍𝖆𝖗𝖆𝖓𝖞
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quinta-feira, 13 de junho de 2024

BILLY SHEEHAN CHALLENGES BASS PRODIGY ELLEN ALAVERDYAN TO PERFORM HER 10 FAVOURITE METAL / HARD ROCK BASSLINES (VIDEO)





BILLY SHEEHAN CHALLENGES BASS PRODIGY ELLEN ALAVERDYAN TO PERFORM HER 10 FAVOURITE METAL / HARD ROCK BASSLINES (VIDEO)



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Twelve year-old bassist Ellen Alaverdyan, who has gained a following on YouTube, was recently challenged by legendary bassist Billy Sheehan (Mr. Big, Winery Dogs, Talas) to perform her 10 favourite metal and hard rock basslines. Check out the clip below featuring songs from Dream Theater, Symphony X, Muse, Black Sabbath, Billy Sheehan, Tool, Metallica and more.



Back in 2022, Ellen met guitar legend Steve Vai at his Harmony Hut studios. Later in the year she jammed with Vai and his band live on stage. Her father shared behind-the-scenes clips and footage from the show.

LIVE REVIEW: Brujeria @ Slay, Glasgow




DEATH METALGRINDCOREHARDCORELIVE REVIEWSPHOTO GALLERIESREVIEWS


Time to roll some joints! The Latin Americans in the death metal cartel BRUJERIA have found the road back to Glasgow on their current European tour. These Mexican loyalists are known for their riotous and downright fun live spectacles. They’re one of these groups where any metalhead who hasn’t encountered a single note of their narcotic cacophony can leave an enthusiastic convert. Slay is once again host to another night of death/grind fit for a king.



Borstal live @ Slay, Glasgow. Photo Credit: Duncan McCall

Partners in crime for the headliners are the UK hardcore gang BORSTAL, a relatively new group formed in 2019, featuring ex-BRUJERIA drummer Nick Barker (who isn’t performing tonight), vocalist Pierre Mendivil from KNUCKLEDUST and guitarist Lee Kitchner from DRIPBACK. The sprightly act force-feeds the punters a metalised take on hardcore punk. This means an inventory full of bruising d-beats, gang shouts and fat grooves that smoothly translate into the live environment.



Mendivil spends a significant portion of the set getting down and dirty in the crowd, shouting in the moshpit and throughout the front of the crowd. He opens a song by giving a shout out to the musicians, writers, artists and ballerinas, the latter occupation receiving the heartiest applause from the punters. He implores everyone to find a creative outlet in these trying times. Slay‘s sound only sharpens their punk assault and the audience is very receptive, moshing and cheering after each song. Aside from Mendivil (who needlessly apologises for taking some weed cakes before the show that were fucking him up), the remainder of the band’s presence feels slightly underwhelming for the frantic tunes they’re serving up. Nonetheless, the audience’s enthusiasm only increases as the band ploughs on.

Rating: 6/10Brujeria live @ Slay, Glasgow. Photo Credit: Duncan McCall

When BRUJERIA plant a Mexican flag on a flagpole with a model disembodied head of the unfortunate decapitation victim from their Mantando Güeros album art on stage, you know it’s going to be a show to remember. Donned in bandido-style bandanas covering the lower half of their face, they strike a deep impression. Their energy is infectious off the bat, aided by not one or two but three frontmen. Naturally, this dynamism transfers to the crowd who are eager to transform an enormous portion of Slay into a mosh pit. Of course, this is peppered by a semi-permanent torrent of crowd surfers and stage divers to BRUJERIA‘s delectably repulsive death grind.



Given the concise nature of grindcore, the songs feel like a thousand fists to the face. They’re ugly, punchy, groovy and breakneck-paced. In between songs, the three vocalists, Juan Brujo, Pinche Peach, and El Sangron, ramble in alternating Spanish and English. The banter doesn’t last too long before they torpedo into another Hispanic anthem. While their songs shouted and growled in Spanish, the language barrier doesn’t prevent monolingual folks chanting along to many choruses, including Chinga de mecos, Castigo del brujo, La migra (Cruza la frontera II) and Consejos narcos. The grittiness of the original versions of the older songs fades live, but this serves the more friendly camaraderie of the concert. Last year birthed BRUJERIA‘s first full-length release in seven years, Esto es Brujeria. The title track opens the set, while Mexorcista and Mochado promote the album later on.Brujeria live @ Slay, Glasgow. Photo Credit: Duncan McCall

It’s hard not to find these hombres locos totally endearing. Piche Peach requests a joint from the audience and receives one. Without hesitation, he lights up onstage and passes it around to the other band members, smoking ban be damned. The best moment of the show is when BRUJERIA launch into the song Mantando Güeros, commanding a tidal wave of crowdsurfers and a staggeringly enormous moshpit. Juan Brujo and El Sangron unsheathe and wave their machetes, while Piche Peach wields the severed head. This is followed by the whacky Marijuhana, the Hispanics’ rendition of Macarena, seducing huge swathes of the crowd into beer-glazed dancing. Not your average death/grindcore activity, but BRUJERIA aren’t your average death/grind band. This was a severely ludicrously entertaining night all round. These cabrones are amazingly consistent at providing a killer live show. Viva la raza!



Rating: 10/10

Check out our photo gallery of the night’s action in Glasgow from Duncan McCall here:























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